En conversación con Luke Willis Thompson
La siguiente es una transcripción editada de una entrevista por correo electrónico entre el artista Lucas Willis Thompson y editor de Social Text Tavia Nyong'o que se llevó a cabo durante la primavera y el verano de 2015, durante y después de la trienal de Neues Museum, en el que la pieza de Thompson, finalmente me presentaron a la gente me reconoció de inmediato me llevaría a cabo de todos modos, se incluyó.
Yo había estado pensando en la mejor manera de comenzar este diálogo sobre su trabajo actual, con el tiempo que me presentó a gente a la que inmediatamente reconocí me llevaría a cabo de todos modos.
Pero entonces sentí que tal inicio sería artificial, la medida en que nuestro diálogo ha sido ya en marcha, y lo que estamos haciendo ahora es más en la línea de apertura a cabo esta conversación más allá de los dos de nosotros.
Yo también había querido empezar por pedir que describa el trabajo ya que ahora lo ve, en relación con su otro trabajo hasta la fecha, y en relación con la política y la poética de la vida negro en Nueva York, la ciudad en que vivo, la ciudad que hemos hecho el trabajo, y la ciudad en la que ninguno de nosotros son en este momento.
Pero entonces me preocupaba que hacerle preguntas sobre el significado de la obra podría dar a entender que no está aún en curso. [Nota del editor:. El espectáculo Nuevo Museo tiene desde cerrado]
Así, a partir de "en medio de las cosas" (o desde el punto de vista Deleuze denomina "cualquier espacio que sea") Quiero vez hacerle esta pregunta posiblemente ingenuo:
¿Cuál es su relación, como el artista, al "yo" en el título de su trabajo? ¿De qué manera es que "yo" que usted? ¿De qué manera podrían ser de otra persona? ¿El título dice nada al participante sobre la génesis de la pieza?
Con gusto,
Tavia
Tallado en la acera, el título es una especie de alusión cruel con la redacción de la ley y los precedentes legales. Es deliberadamente fúnebre y como ustedes saben corre a lo largo del exterior del New Museum. El texto es a la vez una invitación a participar en la obra, y las instrucciones para hacerlo. Está escrito desde un pastiche de referencias, de conocer sus manuales de derechos ("se sintió libre de salir?") A las notas de rendimiento de Vito Acconci ("en la fase de agotamiento, que e intérprete son potencialmente vulnerables.") Fue diseñado para no se refieren sólo para esta pieza sino que se extienden en el museo en su conjunto.
Creo abordando el "yo" es realmente muy crítico con lo que está en juego para el proyecto. Para mí hay muchos niveles de subjetividades, empatías y spectatorships. Suzanne Lacy utiliza un diagrama de círculos concéntricos que dictaban las diferentes etapas de la vida de una obra en público; el primer círculo tenido el origen de la obra misma en él y el último tuvo su mito perdurable. Me adapté el método con el tiempo [. . .], Utilizando el diagrama para representar a la audiencia sin un solo flujo de espectador. El centro es el intérprete, envuelto en los perseguidores, y rodeado por último por el público en general, los transeúntes que son cómplices con el trabajo sin saber hacerlo.
Habiendo dicho esto no quiero esquivar una asociación personal con el "yo" en el texto - para mí la línea, que es originalmente una línea de Helene Cixous y Susan Sellers Tres pasos en la escalera de la escritura, habla a la proceso de enamorarse de algo que sabes que podría destruirte. Es una línea que yo asociaba con una especie de tripulación o escena de amor, un proceso en unirse a una comunidad es el primer paso para caer en un agujero de conejo que también podrían formar usted, así como engendra su propio mundo de la vida. La palabra "destruir" en la oración por Cixous, que modifica con la línea muy citado por Lesley McSpadden donde se registra como pidiendo lo difícil que es tener a alguien terminar la secundaria alrededor de su barrio cuando "van a simplemente llevarme de todos modos "- y el eufemismo para ser simplemente sacados, no muertos o asesinados, pero disolvió, convertido en una ausencia me sentí necesitaba que se traduce en un espacio de actuación; un excitante literal del campo.
Cuando empecé a hacer esta pieza, que desesperadamente no quiero tener que ser uno para escribir las instrucciones. Parcialmente esto era porque no quería cohesionar mi propia voz con las instituciones, sino también porque mientras yo sabía que el trabajo podría suceder, temí pidiendo a alguien para ser una parte de ella. Discutimos 'seamos bebé negro' y otras formas en que una audiencia se le recuerda a reconocer la visibilidad racial o diferencia y permitir que rondan el trabajo. Secretamente yo hubiera querido que me deja fuera del gancho y ofrecer a escribirlo para mí - me pregunto ahora cómo se escribe de manera diferente?
La condensación de significados literales y metafóricas de "Take Me Out" que convergieron en mi experiencia de su pieza ahora se han amplificado por las asociaciones que ha facilitado. Gracias por eso. Ahora entiendo un poco diferente de su resistencia a querer escribir sus propias instrucciones (que en un principio me confieso haber encontrado un poco inexplicable: qué es exactamente lo ibas a hacer, si no escribir sus propias instrucciones de un cierto romanticismo heredado del artista conceptual? como autor, creo que, guiado mi expectativa aquí).
Hay una línea en El Feel Trío donde Fred Moten invita al lector a que escucho un eco en su respuesta de esa imagen acústica "conseguir saltado.": Conseguir un salto en el, con su doble, tal vez el triple connotación de iniciación de pandillas y los juegos juegan las niñas negras. "¿Puedo conseguir un salto?"
Entonces, ¿cómo iba yo a escribir de manera diferente? Esa es una pregunta ansiogénico para un artista que pedir un crítico, ya que expone mi vulnerabilidad en el punto preciso Yo normalmente sentirme al mando más segura: la palabra escrita. Honestamente, lo que yo habría escrito (y no saben realmente) habría sido en un mayor remove del temor anticipatorio de resumen muerte negro que evoca a través de Lesley McSpadden, y que ha sido convocado con regularidad insoportable durante estas últimas semanas y meses. Pero eso es tanto más gratitud por encontrar una forma de lenguaje para acercarse a ese temor, y que lo ha hecho en una escultura social (y de la escena, ya que también es una escena que ha dejado huellas efímeras en) que adopta una postura de "emoción desempeño inferior", como Lauren Berlant podría decir. A veces, tenemos que tomar la instrucción.
¿Es esta conversación evolucionando en la dirección que estaban planeando para? Me doy cuenta de que no hemos descrito la pieza de ninguna manera, y tal vez no he estado comunicando mi experiencia de ella en el camino Quiero: que es animar a la gente para reorganizar su ajetreo con el fin de acogerse a ser sacada por uno de los miembros de su elenco. De no ser así, ¿qué tipo de obligación que tenemos aquí a ese círculo exterior de Suzanne Lacy, el círculo de "perdurable mito"? ¿Te imaginas puesta en escena la obra de nuevo? ¿O era necesariamente sitio específico de la institución cuya puerta principal paso que se salieron temporalmente?
Además, cuando usted dice que usted se preocupe por la alineación de su voz con la institución, lo que oigo una pregunta también sobre cómo hacer un desvío de la temporalidad (en concreto la puntualidad del calendario) de la institución? Para saltar dentro o fuera de sintonía con una temporalidad, o el tempo, con el que la pieza (que comienza en unos tiempos señalados regularmente en un espacio designado regularmente, incluso si termina en elsewheres aleatorios y elsewhens) debe de algún modo cumplir?
Con gusto,
Tav
Al principio, yo quería para fracturar la voz a través de la cual el trabajo podría hablar. Esto se hizo sobre un proceso de adición; de añadir mi propia subjetividad a las de los demás lo que permitió el trabajo de incorporar diferentes mundos. Por suturar juntos mis propias ideas y las de sus colaboradores - los coautores de la pieza - el trabajo comenzó a extenderse a través de muchos cuerpos. Vi este coautoría como tener la posibilidad de fragmentar el trabajo en algo imposible de ver totalmente o experimentar los límites de, distorsionando así su escala.
La colocación de la obra en las manos de otros tuvo un efecto perverso. En lugar de conmigo o nos obliga a consultar a nuestros propios derechos a invocar alguna de las narrativas del trabajo podría convocar, era como si los derechos a sí mismos comenzaron a caer. Una inspiración temprana para mí era el v. Ciudad de Floyd de Nueva York demanda colectiva en la que los individuos utilizan testimonios personales para describir los abusos policiales que han experimentado en los momentos que se hicieron blancos de codificación racial genérico. El esfuerzo colectivo de estas cuentas realizados de forma individual de la experiencia de ser reducido a una sinécdoque; para sustituir a un grupo, al final tuvo el impacto de exponer el carácter inconstitucional del régimen policial de Giuliani y de Bratton. Al demostrar al juez que su pérdida de la individualidad a través de mala actuación policial fue en sí mismo genérico y por lo tanto se podría aplicar de manera más general a otras personas de color en la ciudad de Nueva York, los demandantes dirigieron su codificación racializada negativo en una herramienta de igualdad.
Recordando este caso, los intérpretes de la larga [. . .] Permitido una jugada similar, invitando a sus imágenes para ser indexados, a presentarse a las representaciones de los demás. Yo no necesariamente tiene los derechos de este proyecto, ni tampoco mis colaboradores tienen plenos derechos a esas narraciones nos recrea, pero el rendimiento como género nos permitió permisos de derivación y ocupar temporalmente otros momentos del tiempo y otros momentos de la vida que no eran ' t la nuestra.
He estado interesado en una calidad que se ejecuta con frecuencia en la tradición del arte negro, donde la colectividad puede existir incluso con un solo miembro, (o miembros muertos, o los miembros que no necesariamente están de acuerdo con su afiliación). Con esto en mente, con el tiempo [. . .] Se convirtió en un proyecto de movimiento y transmisión.
Esta es una manera muy indirecta de responder a sus preguntas con respecto a la temporalidad de la pieza, pero necesario antes de hacer la siguiente pregunta: ¿tiene una calidad de indigenismo temporal infectado el museo? Sigo regresando a una broma racista de mi fondo de operar en "isla", una derivación Estoy seguro de "tiempo de los pueblos de color", "y la colocación a una idea empleado en el desempeño que mantiene el tiempo como una ficción; una sola duración perpetua sin medida. Los coautores y yo solíamos historias pasadas de la gente que camina en la ciudad como modelos para los mapas, por ejemplo, hemos incorporado caminos registrados liderados por James Baldwin, Gladys Bently, David Floyd, Trisha Meili, Adrian Piper y otros. Lo que pasa con una violencia que está en curso es que incluso la actividad muy fundamental, o actividad intemporal, como caminar, parece convertirse sincopado con la tragedia y cada pieza exitosa de este proyecto es contemporánea con la memoria de aquellos. De esta manera, hay una relación del proyecto con un memorial a través Walkabout.
Best,
L
Confieso que no sabía exactamente cómo tomar esa pregunta en un primer momento, a pesar de sus referencias posteriores a la "isla" y "tiempo de la gente de color" debería haber aclarado inmediatamente. (Por cierto, me encuentro a mí mismo, en relación al correo electrónico y otras obligaciones modernas, dolorosamente vulnerable a la acusación de ser el CPT mí mismo!)
Quiero, en la faz de la broma racista de que, no obstante, que se aferran a el valor de algo así como un negro, o una isla, o un tiempo postcolonial; un tiempo de polytemporal. ¿Tiene eso sentido? Parte de lo que es tan inquietante y significativa en lo que dijiste sobre Floyd v. Ciudad de Nueva York es el poderoso sentimiento de indignación y el daño de los que testificó de su experiencia de ser detenido, de haber su tiempo impuso por una acción policial que ellos interpelado en el tiempo vacío y homogéneo del estado (a menudo literalmente prestados genéricos como una estadística para cumplir determinados contingentes). El tope fuerzas policiales a través de un conjunto de medidas teóricamente legales pero de hecho calibrados, como Sandra Sosa fue sólo el último de descubrir trágicamente, deshumanizar y privarlo de incluso su derecho a ralentí de su tiempo con un cigarrillo.
De hecho, para que suene en un poco por la tangente, la circulación de los cigarrillos y cigarritos - vendidos, robados, o ahumados - en varios de los relatos de abusos policiales que han circulado recientemente parece un pequeño testimonio de la poderosa perturbación introducida en la red de la visibilidad de la supremacía blanca y el control con sólo el gesto más pequeño de distraído auto-despojo negro.
Si puedo segue de nuevo a una última pregunta, me gustaría pedir que no acerca de la retrospección, entonces, sino de la recursividad. Recogiendo en su observación sobre tiempo ordinario siendo "sincopados con la tragedia" - una experiencia que el poeta Claudia Rankine ha testificado recientemente con gran elocuencia - cómo piensa usted acerca de la repetición de este o actuaciones relacionadas en un contexto histórico en el que, en cualquier momento, y con certeza implacable, otro atentado contra la humanidad negro o indígena es probable que se gestando? Lo que recuerdo de la larga [. . .] Como participante fue el hermoso silencio de ella: un dúo-baile como entre yo y Chris azul ,, y era tan de ensueño que tuve que esforzarme para recordar la naturaleza de la ocasión, la dirección de nuestras andanzas. Lo que más me sacudió cuando entramos por algún tipo de incidente la policía - o tal vez esos policías eran simplemente estacionados habitualmente en esa esquina - y empecé corriendo por mi mente la explicación más plausible que podría dar involuntariamente - que podía soportar la idea de dar - debe lo que estábamos haciendo (su caminar, me visiblemente siguiente en una docena discretos yardas de manera) ser vistos perentoriamente como sospechoso. Sólo la comedia oscura que las perspectivas de tener que explicar a un oficial que estábamos simplemente participando en una obra de arte sobre la discriminación racial y parar y registrar me salvaron.
Por lo tanto, dado que la tragedia, trágicamente, se repite, ¿cuál es la relación entre el arte y la política como lo ves? Al ofrecer a los participantes una oportunidad constante y prolongado para reflejar en movimiento sobre la ansiogénico y la ira que inducen espectro de la vigilancia policial y la violencia, su trabajo me ha parecido una verdadera reflexión estética sobre, e incluso una contribución a, el momento de silencio #BlackLivesMatter, tanto en, y tal vez, más allá de la política. Me hace preguntarme si descolonizar el tempo del museo podría tener por lo menos algo que ver con hacer espacio para el florecimiento de los tiempos y la temporalidad alternativas. Que el arte podría ser una manera de darnos tiempo.
¿Estoy exagerando? ¿Usted ve las cosas de otra manera? ¿Qué hace el más allá de la pieza que da?
Con gusto,
Tav
En los primeros días de la actuación, Tobi Haslet, uno de los miembros del reparto, describe el efecto de la realización de la obra como la experiencia de ser, por otro, una cámara y un carro. Esta idea me persigue, porque creo que contiene en su interior una crítica muy cuidadoso de la misma (o al menos insinúa la gravedad de la decisión del elenco para realizar la pieza) trabajo. Para realizar la figura de negro, es saber que misma imagen tendrá una capa extra de la visualidad que se le aplica, y que la visión puede involucrar a mirar a través de más que a ti. Fred Moten observó en las primeras actuaciones de Adrian Piper que, en lugar de evitar una mirada racista como otros artistas buscaban, ella extorsionar a esta mirada. Ahora, en el momento contemporáneo, la visión racializada desea utilizar ambos; para llevar a cabo la mirada someter, la visión policial y al mismo tiempo para normalizarlo, para evitarlo. Tobi encontró una manera de hacer que "la patología visual", como Piper lo llamó, se ajusta a una estructura de todo el mundo ya se encuentran familiarizados: se habla de la obra como un sueño, pero otra manera de describir podría ser fílmica. Para decidir convertirse en una imagen es, en cierto sentido, para encontrar la paridad con el trágico.
La segunda vida de este trabajo se constituye para mí entonces, no sólo por el tipo de interrupciones a lo que la policía o de la ciudad siempre, ni por las crisis en curso a que se refiere, pero por el hecho de que la experiencia no pudo ser corroborada o confirmado con los demás. Estoy seguro de que casi nadie veía el mismo trabajo, en el mismo tiempo, como cualquier otra persona. Fue esta decisión de hacer una obra que se mantiene en la oscuridad, en el tipo de espacio oculto de la vida en la calle, e íntimamente, entre un solo actor y un público aventado, que esperaba traería el rendimiento en un estado único en el que las preguntas de su condición de obra de arte o no, y las variables en términos de su nivel de visibilidad, no tendría que ver con su potencial de poder. Este intento de re-orientación política fue motivado en parte por una voluntad de encontrar una aplicación para su propio concepto de la "oscura uchromatic". En el régimen estético este concepto propone, que espero que está más cerca de la vida ordinaria y por tanto también de la violencia recurrente de ello que el estado mediada y la hora actuales del museo de arte, obras de arte, como el tiempo [. . .] Puede llegar de nuevo al museo, pero sólo en los comunicados y testimonios.
